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레오 들리브

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목차

1. 개요

레오 들리브는 1836년 프랑스에서 태어난 작곡가로, 오페라와 발레 음악 분야에서 두각을 나타냈다. 파리 음악원에서 교육을 받았으며, 초기에 코믹 오페라를 작곡하며 경력을 시작했다. 이후 파리 오페라의 반주자 및 합창 지휘자로 활동하며 발레 음악 작곡가로 두각을 나타냈고, 발레 《코펠리아》와 《실비아》로 명성을 얻었다. 오페라 《라크메》는 그의 대표작으로, 19세기 말과 20세기 초에 걸쳐 유럽과 미국에서 큰 인기를 얻었다. 들리브는 프랑스 샹송의 영향을 받아 가볍고 즐거운 분위기의 작품을 많이 작곡했으며, 그의 음악은 동시대 작곡가들에게 영향을 미쳤다.

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레오 들리브
기본 정보
레오 들리브, 1875년
1875년
본명클레망 필리베르 레오 들리브
출생1836년 2월 21일
출생지프랑스제1공화국(사르트 주) 생제르맹뒤발
사망1891년 1월 16일
사망지프랑스제3공화국 파리
국적프랑스
직업작곡가
활동 시기19세기
장르발레 음악
음악 스타일
영향아돌프 아당
자크 오펜바흐
주요 작품
발레코펠리아
실비아
오페라코파
라크메
서명
레오 들리브 서명
서명

2. 생애

레오 들리브는 1836년 2월 21일 사르트주 라 플레쉬 근처 생제르맹 뒤 발에서 태어났다.[1] 아버지는 우체국에서 일했고, 어머니는 오페라 가수이자 에두아르 바티스트의 조카로 아마추어 음악가였다.[2] 외동아들이었던 들리브는 1847년 아버지가 사망하자 가족과 함께 파리로 이주하여 12세 생일 직후 파리 음악원에 입학했다.[3]

음악원에서 그는 앙투안-쥘 타리오에게 음악 이론, 펠릭스 르 쿠페이에게 피아노, 프랑수아 베누아에게 오르간, 프랑수아 바쟁에게 화성학, 아돌프 아당에게 작곡을 배웠다.[3][4] 어린 시절 뛰어난 가창력을 보였던 그는 라 마들렌 교회 성가대원으로 활동했으며, 1849년 자코모 마이에르베어의 오페라 ''예언자'' 초연에 참여하기도 했다.[4] 학생 시절에는 생피에르 드 셰요 교회 오르간 연주자와 리릭 극장 반주자로도 활동했다.[2][4]

리릭 극장에서 들리브는 피가로의 결혼과 ''피델리오'' 같은 고전 오페라와 루이 클라피송의 ''라 팡쇼네트'', 빅토르 마세의 ''라 렌느 토파즈'', 구노의 ''파우스트'' 등 새로운 작품의 준비에 참여했다.[3] 전기 작가 휴 맥도널드에 따르면, 들리브는 1871년까지 교회 오르간 연주자로 활동했지만(마지막 직책은 1862년부터 생 장 생 프랑수아 교회), 극장에 더 끌렸다고 한다.[2]

1856년, 들리브의 첫 무대 작품인 "Deux sous de charbon"(석탄 2수)이 폴리 누벨 극장에서 초연되었다.[8] 이후 14년 동안 그는 거의 매년 코믹 오페라를 제작했는데, 그중에는 자크 오펜바흐의 부프 파리지앵 극장을 위해 쓰여진 "Deux vieilles gardes"("두 늙은 근위병")이 큰 성공을 거두었다.[2]

작곡 외에도 들리브는 평론가(1858년 잠시), 학교 음악 검사관, 파리 오페라 반주자 겸 합창 지휘자(1862년 또는 1863년부터)로 활동했다.[3][9] 1866년에는 루트비히 밍쿠스와 함께 발레 "라 소스"를 작곡했으며,[3] 음악학자 아돌프 쥘리앙은 들리브가 밍쿠스를 "완전히 가렸다"고 평가할 정도로 뛰어난 멜로디를 선보였다.[9]

''라 소스''(1866)


1869년 마지막 오페레타 "La Cour du roi Pétaud"를 작곡한 후,[11] 1870년 5월 파리 오페라에서 초연된 발레 "코펠리아"로 대중의 주목을 받았다.[2] 1871년에는 오페라 극장 음악 스태프에서 사임하고 작곡에 전념했으며, 레온틴 에스텔 데넹과 결혼했다.[12]

발레 작곡가로만 알려지는 것을 원치 않았던 들리브는 멜로디를 작곡하고,[9] 1873년에는 오페라-코미크에서 3막 코믹 오페라 "Le Roi l'a dit"(왕이 말했다)를 제작했다.[3] 1876년에는 대규모 신화 발레 "실비아"를 선보여 호평을 받았고,[3] 1877년 레지옹 도뇌르 훈작을 받았다.[3]

1880년에는 오페라-코미크에서 진지한 오페라 "장 드 니벨"을 초연했다.[16] 1881년에는 파리 음악원 작곡 교수가 되었으며,[2] 1882년에는 빅토르 위고의 연극 ''왕은 즐겁게 논다'' 부수 음악을 작곡했다.[18]

1883년 4월 14일, 들리브의 오페라 ''라크메''가 오페라 코미크에서 초연되어 큰 성공을 거두었다.[19] ''라크메''는 유럽 전역과 런던(1885), 뉴욕(1886)에서 공연되었다.[20][21]

몽마르트 묘지의 묘


1884년 프랑스 학사원에 선출된 들리브는[3] 1891년 파리에서 갑작스러운 병으로 사망하여 몽마르트 묘지에 안장되었다.[3] 마지막 작품인 오페라 ''카시아''는 미완성으로 남았다.

2. 1. 어린 시절과 교육

레오 들리브는 1836년 2월 21일, 현재 라 플레쉬(사르트주)의 일부인 생제르맹 뒤 발에서 태어났다.[1] 그의 아버지는 프랑스 우체국에서 일했고, 어머니는 오페라 가수였으며 에두아르 바티스트의 조카로 재능 있는 아마추어 음악가였다.[2] 들리브는 부부의 외동아들이었다. 1847년에 아버지가 사망하자 가족은 파리로 이사했으며, 들리브는 12번째 생일 직후 파리 음악원에 입학했다.[3] 그는 앙투안-쥘 타리오에게 음악 이론을, 펠릭스 르 쿠페이에게 피아노를, 프랑수아 베누아에게 오르간을, 프랑수아 바쟁에게 화성학을 배웠고, 18세에는 아돌프 아당에게 작곡을 배웠다.[3][4]

어린 시절 들리브는 매우 훌륭한 가창력을 가지고 있었다.[3] 그는 라 마들렌 교회의 성가대원이었으며, 1849년 자코모 마이에르베어의 오페라 ''예언자'' 초연에 참여했다.[4] 학생 시절에는 St. Pierre de Chaillot|생피에르 드 셰요 교회프랑스어의 오르간 연주자가 되었고, 리릭 극장의 반주자로도 활동했다.[2][4] 그는 리릭 극장에서 피가로의 결혼과 ''피델리오'' 같은 고전과 루이 클라피송의 ''라 팡쇼네트'', 빅토르 마세의 ''라 렌느 토파즈'', 구노의 ''파우스트''와 같은 새로운 작품을 포함한 극장 레퍼토리 대부분의 오페라 준비에 참여했다.[3] 그의 전기 작가 휴 맥도널드는 들리브가 1871년까지 교회 오르간 연주자로 남아 있었지만(그는 여러 직책을 맡았으며, 마지막 직책은 1862년부터 생 장 생 프랑수아 교회에서였다), 그는 "분명히 극장에 더 끌렸다"고 썼다.[2]

2. 2. 초기 경력

들리브는 1836년 2월 21일 사르트주 라 플레쉬의 일부인 생제르맹 뒤 발에서 태어났다.[1] 그의 아버지는 프랑스 우체국에서 일했고, 어머니는 오페라 가수였고 에두아르 바티스트의 조카로 재능있는 아마추어 음악가였다.[2] 들리브는 외동아들이었다. 1847년 아버지가 사망하자 가족은 파리로 이사했고, 들리브는 12세 생일 직후 파리 음악원에 입학했다.[3] 그는 앙투안-쥘 타리오에게 음악 이론을, 펠릭스 르 쿠페이에게 피아노를, 프랑수아 베누아에게 오르간을, 프랑수아 바쟁에게 화성학을, 아돌프 아당에게 작곡을 배웠다.[3][4]

어린 시절 들리브는 노래를 매우 잘했다.[3] 그는 라 마들렌 교회의 성가대원이었고, 1849년 자코모 마이에르베어의 오페라 ''예언자'' 초연에 참여했다.[4] 학생 시절 생피에르 드 셰요 교회의 오르간 연주자와 리릭 극장의 반주자로도 활동했다.[2][4] 리릭 극장에서는 피가로의 결혼과 ''피델리오'' 같은 고전과 루이 클라피송의 ''라 팡쇼네트'', 빅토르 마세의 ''라 렌느 토파즈'', 구노의 ''파우스트'' 같은 새로운 작품을 포함한 극장 레퍼토리 대부분의 오페라 준비에 참여했다.[3] 전기 작가 휴 맥도널드는 들리브가 1871년까지 교회 오르간 연주자로 일했지만(마지막 직책은 1862년부터 생 장 생 프랑수아 교회), "분명히 극장에 더 끌렸으며 에르베의 매우 성공적인 폴리 누벨에서 그의 직업을 찾았다"고 썼다.[2]

1856년, 들리브의 첫 무대 작품인 "Deux sous de charbon"(석탄 2수)이 폴리 누벨 극장에서 초연되었다.[8] 그 후 14년 동안 그는 1년에 대략 한 편 꼴로 코믹 오페라를 제작했다. 많은 작품들이 자크 오펜바흐가 운영하는 극장인 부프 파리지앵을 위해 쓰여졌으며, 그 중에는 들리브의 두 번째 오페라로, 막대한 성공을 거둔 "Deux vieilles gardes"("두 늙은 근위병")이 있다. 맥도널드에 따르면 이는 작곡가의 "재치 있는 멜로디와 가벼운 터치"에 대한 재능 덕분이라고 한다.[2]

작곡 외에도 들리브는 평론가(1858년 잠시), 학교 음악 검사관, 파리 오페라의 반주자 겸 합창 지휘자(1862년 또는 1863년부터)로 생계를 유지했다.[3][9] 그의 오페라 임명은 발레 음악 작곡가로서의 새로운 경력을 열었다. 1866년 그는 "라 소스"의 두 개의 막을 작곡하게 되었으며, 나머지 두 개는 루트비히 밍쿠스가 썼다.[3] 음악학자이자 평론가인 아돌프 쥘리앙은 들리브가 "발레 음악 작곡가로서 멜로디의 풍부함을 보여주어" 밍쿠스가 "완전히 가려졌다"고 한다.[9] 들리브는 즉시 그의 전 스승인 아담의 발레 "르 코르세르"의 1867년 부활을 위해 "Le Pas de Fleurs"라는 왈츠-디베르티스망을 작곡하도록 초대받았다.[9] 이 곡은 나중에 "라 소스"가 부활했을 때 들리브의 음악에 통합되었다.[10]

1869년 들리브는 마지막 오페레타 "La Cour du roi Pétaud"를 Variétés를 위해 작곡했다.[11] 이듬해 그는 1870년 5월 파리 오페라에서 처음 공연된 발레 "코펠리아"의 악보로 더 널리 대중의 주목을 받았다.[2]

2. 3. 전성기

들리브는 작곡 외에도 평론가(1858년 잠시), 학교 음악 검사관, 오페라 극장의 반주자 겸 합창 지휘자(1862년 또는 1863년부터)로 생계를 유지했다.[3][9] 오페라 극장에서의 임명은 발레 음악 작곡가로서의 새로운 경력을 열었다. 1866년 루트비히 밍쿠스와 함께 라 소스를 작곡했다.[3] 음악학자이자 평론가인 아돌프 쥘리앙은 들리브가 "발레 음악 작곡가로서 멜로디의 풍부함을 보여주어" 밍쿠스가 "완전히 가려졌다"고 평가했다.[9] 이후, 들리브는 그의 전 스승인 아담의 발레 "르 코르세르"의 1867년 부활을 위해 "Le Pas de Fleurs"라는 왈츠-디베르티스망을 작곡하도록 초대받았으며,[9] 이 곡은 나중에 "라 소스"가 부활했을 때 들리브의 음악에 통합되었다.[10]

1869년 들리브는 마지막 오페레타 "La Cour du roi Pétaud"를 작곡했다.[11] 이듬해인 1870년 5월, 오페라 극장에서 초연된 발레 "코펠리아"의 악보로 더 널리 대중의 주목을 받았다. 이 작품은 즉각적인 성공을 거두었으며, 클래식 발레 레퍼토리에서 가장 인기 있는 작품 중 하나로 남아있다.[2] 이듬해 그는 오페라 극장의 음악 스태프에서 사임하고 작곡에 전념했으며, 같은 해 레온틴 에스텔 데넹과 결혼했다.[12]

발레 작곡가로 유형화되는 것을 원하지 않았던 들리브는 멜로디로 눈을 돌렸다.[9] 1872년 "Myrto", "Les Filles de Cadiz", "Bonjour Suzon"을 포함한 곡들을 출판했고,[13] 1873년에는 오페라-코미크에서 3막짜리 코믹 오페라 "Le Roi l'a dit"(왕이 말했다)를 제작했다. ''르 피가로''는 대본이 약하다고 생각했지만, 들리브의 음악은 칭찬했다.[3] 이 작품은 파리와 독일 오페라 하우스에서 성공을 거두었지만 국제적인 레퍼토리로 자리 잡지는 못했다. 영국(1894년)과 미국(2016년)에서의 첫 공연은 각각 로열 음악 칼리지와 맨해튼 음악 학교의 학생들이 공연했다.[14] 1876년, 들리브는 오페라 극장으로 돌아와 대규모 신화 발레 "실비아"를 선보였고, 언론과 대중에게 좋은 반응을 얻었다. 1877년에는 레지옹 도뇌르 훈작을 받았다.[3]

두 발레의 성공에도 불구하고 들리브는 진지한 성악 작품을 쓰고 싶어했다. 1878년 만국 박람회 기간 동안 트로카데로 콘서트에서 연주된 대규모 장면 "La Mort d'Orphée"(오르페우스의 죽음)를 작곡했고,[15] 이어서 중세 애국 로맨스인 진지한 오페라 "장 드 니벨"을 작곡하여 1880년 오페라-코미크에서 초연했다. 평론가들은 이 작품이 너무 에피소드적이라고 여겼지만, 작곡가의 멜로디의 "희귀하고 정확한 품질"과 대중을 위한 그의 "섬세한 작풍"을 칭찬했다. ''더 에라''의 파리 평론가는 5년 전에 초연된 조르주 비제의 ''카르멘'' 이후 "세계적인 인기를 얻을 가능성이 가장 높은 최고의 오페라"라고 평가했다.[16] 이 작품은 백 번 이상 공연되었으며,[3] 1908년 파리에서 부활했지만 그 이후(2020년)로는 무대에 올려지지 않았다.[17]

2. 4. 후기

1881년, 들리브는 스스로 푸가와 대위법에 대해 아는 것이 없다고 인정했음에도 불구하고 나폴레옹 앙리 레베르를 대신하여 파리 음악원의 작곡 교수가 되었다.[2] 그는 자신의 임무에 매우 진지하게 임했다. 음악 평론가 샤를 다르쿠르는 들리브가 학생들에 대해 보여준 관심과 프랑스 최고의 권위를 자랑하는 음악상인 로마 대상에서 그들이 성공하기를 바라는 그의 열정을 회상했다.[3] 1882년, 들리브는 빅토르 위고의 연극 ''왕은 즐겁게 논다''를 코미디 프랑세즈에서 부활시키는 것을 위해 부수 음악을 작곡했는데, 이는 오케스트라를 위한 모방 중세 무용 모음곡("옛 스타일의 6개의 댄스")과 만돌린 반주가 있는 노래("부르봉이 마르세유를 보았을 때")로 구성되었다.[18]

들리브의 오페라 ''라크메''는 1883년 4월 14일 오페라 코미크에서 초연되었다. 매니저 레옹 카르발류는 그의 제작에서 사치스러운 것으로 알려져 있지 않았지만, 이 오페라를 위해 그는 화려한 무대 연출로 관객들을 놀라게 했다.[19] 맥도날드는 "그 성공은 오래 지속되었다; 동양적인 색채, 타이틀 롤을 위한 훌륭한 부분, 잘 구성된 대본, 그리고 음악의 진정한 매력은 모두 들리브의 명성이 발레와 함께 자리 잡은 작품에 기여했다."라고 썼다.[2]

''라크메''는 유럽 전역의 오페라 극장에서 빠르게 채택되었고, 런던(1885)과 뉴욕(1886)에서도 제작되었다. 미국 제작에 대한 평가는 매우 열광적이었고, 영국 제작에 대한 평가는 그보다는 덜했지만, 두 도시 모두에서 흥행에 성공했다.[20][21]

들리브의 마지막 해는 재정적으로 안정되었고 사회적으로도 안정되었다. 1884년, 그는 프랑스 학사원에 선출되었다. 그가 사망했을 때 미완성으로 남은 그의 마지막 작품은 또 다른 오페라 ''카시아''였다. 한동안 간헐적으로 앓아온 들리브는 55번째 생일 직전 갑작스러운 쓰러짐 이후 파리의 자택에서 사망했다. 그는 파리의 몽마르트 묘지에 묻혔다.[3]

3. 주요 작품

들리브는 오페라, 발레, 오페레타 등 다양한 장르에서 많은 작품을 남겼다. 그의 초기 작품은 부알디외, 에롤, 아돌프 아당의 영향을 받았으며, 이후 마이어베어, 구노, 비제, 랄로의 영향도 받았다.[2]

대표적인 발레 작품으로는 코펠리아(1870년)와 실비아(1876년)가 있으며, 특히 ''실비아''는 차이콥스키에게 깊은 인상을 주어 "음악이 단순한 주요 관심사가 아니라 유일한 관심사를 구성하는 첫 번째 발레"라는 극찬을 받았다.[36]

오페라 작품으로는 라크메(1883년)가 대표적이며, 그로브 음악 및 음악가 사전에서는 이 작품을 들리브의 걸작으로 꼽고 있다.[2] 이 외에도 ''왕이 말했다''(1873년), ''니벨의 장''(1880년) 등의 오페라와 여러 편의 오페레타를 작곡했다.

주요 오페레타 작품으로는 Six demoiselles à marier프랑스어(1856년), Deux vieilles gardes프랑스어(1856년) 등이 있다.

그의 기타 작품으로는 빅토르 위고의 희곡을 바탕으로 한 ''쾌락의 왕''(1882년), 아돌프 아당의 발레 ''해적''에 삽입된 ''꽃의 춤''(1867년), 그리고 여러 기악곡과 종교 음악 등이 있다.

3. 1. 발레

아당의 영향을 받은 ''코펠리아''는 등장인물과 분위기를 표현하기 위해 라이트모티프를 광범위하게 사용했으며, 생생한 음악적 장면 묘사를 담고 있다.[34] 들리브는 아당의 라이트모티프 사용을 크게 확장했다. 각 주요 등장인물은 그 또는 그녀를 묘사하는 음악과 함께한다. 노엘 굿윈은 다음과 같이 묘사한다. "스와닐다의 등장 왈츠는 밝고 우아하다. 코펠리우스 박사는 딱딱하고 건조한 대위법으로, 카논 기법은 그가 창조한 인형인 코펠리아에게도 독창적으로 적용된다. 프란츠는 두 개의 주제를 가지고 있는데, 각 주제는 처음 네 음의 동일한 멜로디 모양을 공유하지만 두 번째 주제는 경쾌한 첫 번째 주제보다 더 감상적인 느낌을 가지고 있다."[35] 들리브는 볼레로, 차르다시, 지그, 마주르카를 포함한 특징적인 민족 무용을 광범위하게 사용했으며, 왈츠 리듬과 끊임없이 섞어 사용했다.[35]

여러 평론가들은 ''실비아''의 악보가 ''코펠리아''를 능가한다고 생각한다.[34][35] 차이콥스키는 이에 깊은 인상을 받았다.

칼 반 베흐텐은 들리브가 발레 작곡에 혁명을 일으켰다는 차이콥스키의 견해를 공유했다. "그가 발레를 작곡하기 시작하기 전에는, 춤을 위한 음악은 대부분 뚜렷한 리듬을 가진 땡땡거리는 멜로디로 구성되어 있었다." 반 베흐텐의 견해에 따르면, 들리브는 그의 악보에 "교향곡적인 요소, 우아한 멜로디의 풍부함, 그리고 고루함에 대한 건강한 혐오감을 바탕으로 한 화성의 풍부함"을 도입하여 발레 음악에 혁명을 일으켰다. 반 베흐텐은 들리브의 악보가 드뷔시의 ''놀이'', 라벨의 ''다프니스와 클로에'', 스트라빈스키의 ''페트루슈카''와 같은 20세기 발레의 선구자라고 생각한다.[37]

''실비아'' 이후 들리브의 유일한 무용 작품은 코미디 프랑세즈의 ''왕의 놀이''를 위한 6개의 춤 모음곡이었다. 굿윈의 견해에 따르면, 고풍스러운 양식의 파스티치인 이 춤들은 시대적 특징의 미묘함을 잘 보여준다. 이들은 콘서트에서 자주 연주되지 않으며 녹음에서 더 익숙하다.[35]

「피치카토」의 선율


스승 아당의 영향을 받은 ''코펠리아''는 음악 전체에 라이트모티프를 많이 사용하고 있으며, 선명한 묘사도 포함되어 있다. 각각의 등장인물에게는 그 인물을 상상하게 하는 음악이 연주된다. 노엘 굿윈은 ''코펠리아''에 대해 다음과 같이 말하고 있다.

들리브는 왈츠의 일부에 볼레로, 차르다시, 지그, 마주르카 등과 같은 특징적인 민족 무용을 다용했다. 일부 평론가의 의견으로는 ''실비아''가 대표작인 ''코펠리아''의 점수를 뛰어넘고 있다.

제목연도비고
샘 La Source1866년레오 민쿠스와 공동 제작, 들리브는 제2막과 제3막 제1장의 음악을 담당. 『나일라, 물의 요정』(Naïla, die Quellenfee)으로 표기되기도 함.
코펠리아 Coppélia1867년들리브의 작품 중 가장 유명, 원작은 E. T. A. 호프만의 단편 소설 『모래 사나이』.
실비아 Sylvia1876년제3막에서 연주되는 "피치카토"가 유명.


3. 2. 오페라

들리브는 1856년 첫 무대 작품인 "Deux sous de charbon"(석탄 2수)을 초연했는데, 이는 쥘 모니오의 대본으로 쓰여진 1막짜리 코믹극이었다.[8] 이후 14년 동안 그는 1년에 한 편 꼴로 코믹 오페라를 제작했다. 많은 작품들이 자크 오펜바흐가 운영하는 극장인 부프 파리지앵을 위해 쓰여졌으며, 그 중에는 들리브의 두 번째 오페라로, 큰 성공을 거둔 "Deux vieilles gardes"("두 늙은 근위병")이 있다.[2]

1869년에는 마지막 오페레타 "La Cour du roi Pétaud"를 작곡했다.[11] 1873년에는 3막짜리 코믹 오페라 "Le Roi l'a dit"(왕이 말했다)를 제작했는데, ''르 피가로''는 대본이 약하다고 생각했지만, 들리브의 음악은 칭찬했다.[3] 이 작품은 파리와 독일 오페라 하우스에서 성공했지만, 국제적인 레퍼토리로 자리 잡지는 못했다.[14]

1880년에는 중세 애국 로맨스인 진지한 오페라 "장 드 니벨"을 초연했다. 평론가들은 이 작품이 너무 에피소드적이라고 여겼지만, 작곡가의 멜로디의 "희귀하고 정확한 품질"과 대중을 위한 그의 "섬세한 작풍"을 칭찬했다. ''더 에라''의 파리 평론가는 조르주 비제의 ''카르멘'' 이후 "세계적인 인기를 얻을 가능성이 가장 높은 최고의 오페라"라고 평가했다.[16]

들리브의 오페라 ''라크메''는 1883년 4월 14일 오페라 코미크에서 초연되었다. 레옹 카르발류는 화려한 무대 연출로 관객들을 놀라게 했다.[19] ''그로브 음악 및 음악가 사전''은 들리브의 걸작으로 ''라크메''를 꼽으며, ''코펠리아''와 ''실비아''보다도 뛰어난 작품으로 평가한다. 비제의 영향을 보여주며, 조화 기법과 오케스트레이션의 미묘함에서 ''카르멘''과 ''진주 조개잡이''의 흔적을 느낄 수 있다고 한다.[2]

들리브의 마지막 작품은 ''카시아''였으나, 그가 사망했을 때 미완성으로 남았다. 쥘 마스네에 의해 편집 및 오케스트레이션되어 들리브 사후 2년 만에 초연되었지만, 일반적으로 이 작품이 작곡가의 창의적인 재능이 쇠퇴했음을 보여준다는 평가를 받았다.[32]

들리브의 주요 오페라 작품은 다음과 같다:

  • 그리파르 씨 ''Maître Griffard'' (1857년)
  • 정원사와 그의 주인 ''Le jardinier et son seigneur'' (1863년)
  • 페토 왕의 궁정 ''La cour du roi Pétaud'' (1869년)
  • 왕의 말씀 ''Le roi l’a dit'' (1873년)
  • 니벨의 장 ''Jean de Nivelle'' (1880년)
  • 라크메 ''Lakmé'' (1883년)
  • : 제1막에서 불리는 「꽃의 이중창」이 유명하다.

3. 3. 오페레타

Six demoiselles à marier프랑스어 (1856년)

Deux vieilles gardes프랑스어 (1856년)

Deux sous de charbon, ou Le Suicide de Bigorneau프랑스어 (1856년)

L’omelette à la Follembuche프랑스어 (1859년)

Les musiciens de l’orchestre프랑스어 (1861년)
Mon ami Pierrot프랑스어 (1862년)

Les eaux d'Ems프랑스어 (1862년)

Le serpent à Plumes프랑스어 (1864년)

Malbrough s’en va-t-en guerre프랑스어 (1867년)

  • : 조르주 비제 등과의 공동 작품이며, 들리브는 제4막의 음악을 담당했다.

Kassya프랑스어 (1893년, 미완성)

  • : 미완성 작품이며, 1893년에 쥘 마스네가 보필 완성했다.

3. 4. 기타

들리브는 작곡 외에도 평론가(1858년 잠시), 학교 음악 검사관, 오페라 극장의 반주자 겸 합창 지휘자(1862년 또는 1863년부터)로 생계를 유지했다.[3][9] 1877년에는 레지옹 도뇌르 훈작을 받았다.[3]

피아니스트이자 음악 학자인 그레이엄 존슨은 음악학자 프리츠 노스케의 견해를 인용하여 들리브의 노래가 샹소네트에서 파생되었다고 언급했다. "샹소네트는 로망스보다 가볍고 재미있으며, 리트의 독일적 영향에 덜 민감하다." 그의 노래에서 들리브는 비제와 함께 "극장에 대한 자연스러운 감각과 지역적 색채를 만들어내는 능력"을 공유하는데, 이는 그의 스페인 샹송 "카디스의 아가씨들"에서 나타난다. 존슨은 다른 초기 노래인 "Eclogue"와 "Bonjour, Suzon"에 대해 "가식 없는 유쾌함과 섬세함, 그리고 절제된 표현으로 우리를 매료시킨다"고 묘사한다. "Avril", "Chanson de l'oiseleur", "Myrto"와 같은 일부 노래는 16세기 시대 스타일을 연상시키며, 마지막 곡은 가브리엘 포레의 멜로디를 미리 보여주는 곡이다. 존슨은 들리브가 열정적인 감정보다는 성찰적인 감정에 더 적합하며, 일반적으로 후기 노래보다 초기 노래에서 더 뛰어나다고 평가한다. 그는 들리브를 동시대의 젊은 작곡가인 레이날도 한과 함께 송라이터로 묶어 "세련된 사회에서 음악의 역할에 대한 유사한 18세기적 아이디어를 가진 매력적인 사람들로, 부끄러움 없이 즐거움을 선사한다"고 평가한다.[38]

그의 기타 작품은 다음과 같다.

  • 쾌락의 왕(Le roi s'amuse, 1882년)
  • : 원작은 주세페 베르디의 오페라 『리골레토』와 마찬가지로 빅토르 위고의 희곡 『왕은 즐긴다(Le roi s'amuse)』에 따른다. 일본어 제목은 『왕의 즐거움』이라고 표기되는 경우도 있다.
  • 꽃의 춤 ''Pas de fleurs'' (1867년)
  • : 『나일라 왈츠』(''Naïla Valse'')로 알려져 있으며, 아돌프 아당의 발레 『해적』의 삽입곡으로 작곡되었다.
  • 콩쿠르용 소품 (1876년, 플루트와 피아노를 위한)
  • 트럼펫을 위한 초견용 소품 바장조 (1881년)
  • 트롬본을 위한 초견용 소품 다장조 (1887년)
  • 하프를 위한 초견용 소품 사장조 (1887년)
  • 미사 브레비스 사단조 (1875년 출판)
  • 카디스의 아가씨들 ''Les filles de Cadix'' (1874년)

4. 음악적 특징과 영향

맥도날드는 들리브의 초기 작품이 부알디외, 에롤, 그리고 들리브가 파리 음악원에서 사사했던 아당의 영향을 분명히 받았으며, 아당으로부터 "찬란한 오페레타 스타일"의 모범을 얻었다고 평가했다.[2] 이후, 들리브는 가볍고 대중적인 작품에서 벗어나 더 격조 높은 장르로 나아가고자 의식적으로 노력하면서, 그의 작품은 마이어베어와 구노의 영향을 보여주었으며, 약간 더 젊은 비제와 랄로의 영향도 받았다.[2] 맥도날드는 들리브의 초기 음악에 대한 평론에서 "재치, 매력, 우아함, 기품, 색채, 경쾌함"이라는 동일한 용어가 자주 반복된다고 언급했다.[2] 『음악 세계』는 그에 대해 "당대 최고의 프랑스 작곡가는 아닐지라도, 들리브는 가장 전형적인 프랑스 작곡가였으며, 그의 분야에서 그와 동등한 뛰어난 후계자를 남기지 못했다고 말하기는 어려울 것이다"라고 평했다.[15]

스승 아당의 영향을 받은 코펠리아는 음악 전체에 라이트모티프를 많이 사용하고 있으며, 선명한 묘사도 포함되어 있다.[2] 들리브는 아당 특유의 절제된 라이트모티프 사용법을 자세히 연구했다. 각각의 등장인물에게는 그 인물을 상상하게 하는 음악이 연주된다. 노엘 굿윈(Noël Goodwin)은 『코펠리아』에 대해 다음과 같이 설명한다.

: 스와닐다는 밝고 우아한 입장 왈츠를, 코펠리우스는 딱딱하고 건조한 대위법을, 그가 만든 인형인 코펠리아에도 독창적으로 적용된 "장치"를, 프란츠는 같은 멜로디를 공유하는 두 개의 테마를 연주한다. 첫 4개의 음표의 형태는 다르지만, 두 번째 음표는 쾌활한 첫 번째 주제보다 감상적인 감정을 가지고 있다.

들리브는 왈츠의 일부에 볼레로, 차르다시, 지그, 마주르카 등과 같은 특징적인 민족 무용을 다용했다. 일부 평론가들은 실비아가 대표작인 코펠리아의 점수를 뛰어넘는다고 평가한다. 러시아 발레의 대표적인 작곡가인 차이콥스키는 『실비아』를 극찬하며, 지인인 타네예프에게 이렇게 전했다.

: 음악이 메인일 뿐만 아니라 유일하게 흥미를 보이는 최초의 발레. 얼마나 매력적이고, 얼마나 우아하며, 얼마나 멜로디, 리듬감, 그리고 하모니가 풍부한가. 부끄러웠다. 만약 내가 좀 더 일찍 이 작품을 알았더라면, 나는 『백조의 호수』를 작곡하지 않았을 것이다.[46]

참조

[1] 서적 (Unspecified)
[2] 웹사이트 Delibes, (Clément Philibert) Léo https://www.oxfordmu[...] Oxford University Press 2020-01-12
[3] 뉴스 Léo Delibes Le Figaro 1891-01-17
[4] 서적 (Unspecified)
[5] 서적 (Unspecified)
[6] 간행물 Gounod or Delibes? – authorship of the ballet music in Faust Opera 1991-03
[7] 서적 (Unspecified)
[8] 서적 (Unspecified)
[9] 서적 (Unspecified)
[10] 음반 Notes to Hyperion CD CDA6796 2015
[11] 서적 (Unspecified)
[12] 서적 (Unspecified)
[13] 서적 (Unspecified)
[14] 뉴스 Le Roi l'a dit https://www.operanew[...] The Era and Opera News 1894-12-15, 2016-06
[15] 간행물 Leo Delibes The Musical World 1891-01-24
[16] 뉴스 The Drama in Paris The Era 1880-03-14
[17] 간행물 Léo Delibes, Jean de Nivelle: Dossier de presse parisienne https://muse.jhu.edu[...] Music and Letters 2008-08
[18] 서적 (Unspecified)
[19] 뉴스 'Lakme' in Paris The Era 1881-04-21
[20] 간행물 Lakmé at the Gaiety The Musical World 1885-06-13
[21] 간행물 'Lakmé' in New York The Orchestra Musical Review 1886-03-27
[22] 서적 (Unspecified)
[23] 간행물 Revival of 'Lakmé' and Lily Pons in 'Lakmé' https://www.nytimes.[...] The Musical Times and New York Times 1910-07, 1942-12-18
[24] 간행물 Waifs The Musical World 1883-08-04
[25] 뉴스 Picture Book Lakmé https://www.nytimes.[...] New York Times 1995-02-22
[26] 웹사이트 Lakmé https://www.lesarchi[...] 2020-01-14
[27] 웹사이트 Archives http://archives.meto[...] 2020-01-14
[28] 웹사이트 Lakme http://www.rohcollec[...] 2020-01-14
[29] 웹사이트 Lakmé https://www.operabas[...] 2020-01-14
[30] 웹사이트 Lakmé https://www.seattleo[...] 2020-01-14
[31] 뉴스 Is it Time Once More for 'Lakme'? https://www.nytimes.[...] New York Times 1984-09-16
[32] 뉴스 The Drama in Paris The Era 1893-04-01
[33] 서적 (Unspecified)
[34] 웹사이트 Delibes, Clément Philibert Léo https://www.oxfordre[...] Oxford University Press 2020-01-14
[35] 웹사이트 Delibes, Léo https://www.oxfordre[...] Oxford University Press 2020-01-14
[36] 서적 ''Quoted'' in Bullock
[37] 논문 Back to Delibes
[38] 서적 Johnson
[39] 웹사이트 国立国会図書館デジタルコレクション https://rekion.dl.nd[...] 2024-09-17
[40] 서적 Curzon
[41] 웹사이트 Delibes, (Clément Philibert) Léo https://www.oxfordmu[...] Oxford University Press 2020-01-12
[42] 뉴스 Léo Delibes Le Figaro 1891-01-17
[43] 서적 Curzon
[44] 서적 Curzon
[45] 문서 訳注：フランスの漫画家、風刺画家であるアメデ・ド・ノエのペンネーム。
[46] 웹사이트 The Swan Lake http://www.salikon.d[...] 2005-06-29


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